CONFÉRENCES

Conférence avec projections et rencontres à l'URCA, Université de Reims Champagne-Ardenne - Campus des Comtes de Champagne, place du Préau à Troyes. Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

Les Avant-gardes, et plus largement l'art le plus novateur de la fin du XIXème siècle jusqu'au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, passent pour réfractaire au monde des musées. Celui-ci, en retour, est accusé de l'avoir délibérément ignoré, voire rejetés, privilégiant des formes artistiques dites traditionnelles aujourd'hui jugées sans guère d'intérêt. Qu'en est-il en réalité ? Quels liens véritables les courants les plus féconds des Avant-gardes artistiques du monde occidental ont-ils entretenu avec les musées dont le nombre et l'importance s'accroient avec éclat en

 ces mêmes années ? Du musée parisien du Luxembourg au MoMA de New-York, en passant par les musées allemands du début du XXème siècle, la présence des Avant-gardes au sein de ces supposés temples de la tradition est loin d'être sans influence sur les destinées mêmes de l'art moderne.

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L’exposition ambitionne de présenter l’œuvre de Paul Cézanne (1839-1906) au regard de son héritage artistique, dans un dialogue constant, synthétique et inédit. L’exposition interroge l’héritage de Cézanne dans l’entre-guerre, notamment de sa réception nationale et internationale. L’artiste est regardé de l’après-guerre à l’art contemporain de manière kaléidoscopique, autant par les tenants de l’abstraction lyrique que par ceux de la peinture hard edge. C’est cette histoire complexe qu’il convient de montrer, en interrogeant particulièrement ce qu’il advient de Cézanne à l’heure du post-modernisme. 
« Cézanne regardé par » est bien le fil conducteur de cette exposition qui, par son accrochage, alterne des recréations de présentations historiques et des salles privilégiant des confrontations œuvre à œuvre au parti pris esthétique plus fort. Il s’agit ainsi d’offrir aux visiteurs une relecture rétrospective de l’œuvre de Cézanne par le prisme d’un regard résolument contemporain.

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Originaire de Béziers, Gustave Fayet (1865-1925) développe une sensibilité artistique double. Sa pratique artistique fait de grands décors, de tapisseries et de gouaches se trouve au cœur du renouveau artistique de la fin du XIXe siècle, entre nouveau style, inspiration végétale et symbolisme. Nourrissant son art, la collection qu'il constitue au fil du temps est une des plus complètes de son temps, mêlant les œuvres de Gauguin, Van Gogh, Redon, Cézanne ou Matisse... S'appuyant sur les recherches menées à l'occasion de l'exposition à la fondation Vuitton, la conférence revient sur la vie et l'œuvre de cette figure trop peu connue des arts du tournant des XIXe et XXe siècle. 

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Le monde des arts est en pleine effervescence au début du XXe siècle, après le scandale déclenché par l’exposition des œuvres des Fauves au Salon d’Automne de 1905. Loin de cette agitation, les décors de scène sont réalisés par des décorateurs professionnels qui restent attachés aux procédés traditionnels. En 1909, l’arrivée des Ballets russes au Châtelet marque une rupture dans la conception du rôle du peintre dans le ballet. En 1919, alors que la compagnie jouit d’une grande renommée, Serge Diaghilev commande à André Derain les décors et les costumes de La Boutique Fantasque. Au sortir de la guerre où il a servi, Derain saisit cette fabuleuse occasion de remonter sur la scène artistique. Grâce au succès du ballet, c’est une longue série de collaborations fructueuses avec le monde du spectacle qui débute pour le peintre. Entre 1919 et 1953, Derain conçoit les décors et les costumes de deux pièces de théâtre, deux opéras, treize ballets et élabore de nombreux projets qui n’ont jamais été créés. Il rédige également plusieurs arguments, participe à la mise en musique de certaines de ces œuvres, réalisations auxquelles s’ajoutent les idées qu’il apporte à la mise en scène et à la chorégraphie. 
Cette conférence mettra en lumière l’importance de l’œuvre scénique d’André Derain et ses particularités permettant ainsi de donner un nouvel éclairage sur le peintre et son œuvre. Artiste accompli aux multiples facettes, Derain ne s’est pas contenté du rôle de décorateur, sa passion pour la musique et le théâtre l’ayant, bien plus encore, amené à se poser en véritable créateur de ballets.

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Le poète, intellectuel et homme d’État Léopold Sédar Senghor (1906-2001) figure parmi les écrivains les plus illustrés du XXᵉ siècle. En 1975, il réunit ses Élégies majeures dans une édition commune.

Convaincu du dialogue entre poésie et arts plastiques, il en confie l’illustration à Alfred Manessier, Hans Hartung, Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Maria Helena Vieira da Silva et Étienne Hajdu, qui prolongent les mots par des gravures et lithographies abstraites.

En 1976, le poète collabore avec André Masson pour Chants d’ombre, illustré notamment d’un dessin au sable pour l’emboîtage.

Exposées dès 1978 à la BnF, puis au musée du Quai Branly en 2023, ces œuvres, qui ont rejoint les collections grâce à un généreux don, sont présentées pour la première fois dans le nouveau cabinet d’arts graphiques du MAM.
Cette conférence propose d’éclairer les enjeux artistiques de ces ouvrages qui offrent un exemple exceptionnel de la rencontre entre poésie et arts visuels.

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En lien avec l'exposition inaugurale du LaM, en partenariat avec le Centre Pompidou, jusqu'au 14 juin 2026 : « Kandinsky face aux images » par Marie Castelain, historienne d'art.
Le 13 décembre 1944 disparaissait Vassily Kandinsky, père de l'abstraction et précurseur de l'expressionnisme abstrait.
C’est entre l’Allemagne et la France, que Kandinsky, né à Moscou en 1866, développa une œuvre riche de réflexion sur le pouvoir de la couleur et de la forme expressive.
Ce messager d’une peinture non figurative empreinte de spiritualité ne cessa de rechercher de nouvelles harmonies pour susciter des émotions.
L'exposition actuelle s'attache par ailleurs, à présenter des sources d'inspiration nourrissant son immense curiosité, telles des reproductions d’œuvres, des imageries populaires, comme scientifiques... soit tout un ensemble d'archives personnelles.

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Suite à l'acquisition d'une œuvre de l'artiste par les amis du MAM, Eric Justman, directeur des atelier et musée de Chana Orloff et petit- fils de l'artiste nous propose cette conférence : témoignage vivant par ses mots et un court film sur l'artiste.
En 1905, un pogrom russe pousse sa famille à l'exil, vers la Palestine.
C'est en 1910 qu'elle arrive à Paris pour y étudier la mode, mais rapidement s’inscrit à l'académie Vassilieff, située à Montparnasse. Elle noue alors des amitiés avec des artistes tels Modigliani, Soutine, Zadkine, Foujita, Chagall...et à leur contact se forme à l'art et plus particulièrement à la sculpture.
Mais avant de connaître le succès dans les années 30, elle rencontre bien des difficultés, de son propre aveu, « étrangère, juive, artiste, femme, veuve et jeune mère ». Succès qu'elle connut en effet plus tard, surtout en tant que portraitiste, car loin de toute expérimentation, elle s'attachait par une simplification de la forme, une stylisation de la ligne, à rendre son modèle présent, tel qu'en sa personnalité.

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L’exposition « Matisse, la couleur sans limite » au Grand Palais du 24 mars au 2 août 2026, met en lumière une période fascinante de la vie de l’artiste : ses années de création entre 1941 et 1954. À près de 80 ans, Henri Matisse se réinvente à travers la technique de la gouache découpée, qu’il élève au rang de langage plastique autonome. Cette rétrospective d’envergure inédite en France révèle une pratique pluridisciplinaire foisonnante, où peinture, dessin, illustration, textile et vitrail dialoguent dans une harmonie colorée et expressive.
Avec plus de 230 œuvres issues de collections prestigieuses – Centre Pompidou, MoMA, MET, Fondation Barnes, Fondation Beyeler… – l’exposition offre une plongée dans l’univers créatif de Matisse. Le parcours dévoile des pièces majeures rarement vues en France : les Intérieurs de Vence, l’album Jazz, les Nus bleus, ou encore les éléments décoratifs de la Chapelle de Vence. La scénographie, conçue par Julie Boidin, restitue l’atmosphère de l’appartement-atelier du Régina, où les œuvres, mobiles et végétales, s’épanouissent librement sur les murs, dans une symbiose entre espace et création.

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Alors que des millions de visiteurs du monde entier se pressent à Paris en 1925 pour découvrir les architectures, les mobiliers, les objets décoratifs marquant la naissance de l'Art Déco ... se verra petit à petit décliner. Cette certaine idée du luxe à la française trouve rapidement quelques collectionneurs français et américains. Le krach boursier dans l'Amérique de 1929 donne un premier coup à l'Art Déco. L'Europe basculant petit à petit dans la guerre... les collectionneurs, les créateurs et les décorateurs fuient. L'Art Déco tombe dans l'oubli. Il faut attendre les années 1960 et une exposition à l'Union Central des Arts Décoratifs (actuel MAD - rue de Rivoli), pour voir réapparaitre les meubles précieux de ces années folles. Quelques marchands et jeunes collectionneurs se prennent de passion pour ce style.
Richement documentée cette conférence vous propose de visiter les intérieurs de Jacques Doucet, des marchands Bob et Cheska Vallois, d'Yves Saint Laurent, de Karl Lagerfled... jusqu'à Elton John, tous follement amoureux de l'Art Déco ! 

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Conférence avec projections et rencontres à la maison des associations, 63 avenue Pasteur à Troyes, 3ème étage.
Entrée libre et gratuite.

Né en Chine en 1920, Zao Wou-Ki a fait quasiment toute sa carrière en France.
Il s’est rattaché à l’École de Paris puis à l’abstraction lyrique. Né à Shangaï dans une très ancienne famille chinoise qui remonte au XIIe siècle, il grandit au milieu des livres et des peintures. Très doué et encouragé par ses parents, il suit des études à l’école des Beaux-Arts de Huangzou. Il s’intéresse à l’art européen et à la peinture à l’huile. En 1947, il quitte la Chine pour s’installer à Paris et suit les cours de la Grande Chaumière. Il découvre l’œuvre de Paul Klee qui l’inspire profondément. Il rencontre de nombreux artistes, Giacometti, Soulages, Michaux. Il est reconnu internationalement et expose dans de nombreuses galeries.
Ses œuvres poétiques balancent entre la grande culture de la peinture chinoise et l’abstraction lyrique européenne. Véritable pont entre les cultures chinoise et occidentale, Zao Wou-Ki explore l’espace et le silence.

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Conférence avec projections et rencontres à l'auditorium du musée d'Art moderne.
Entrée libre et gratuite dans la limite des 100 places disponibles.

Repoussée en raison de la Première Guerre mondiale, l'entre-deux guerres voit fleurir un style nouveau dans les arts décoratifs français. 1925 et l'Exposition internationale des Arts décoratifs et Industriels modernes ouvre dans un Paris cosmopolite. Les décorateurs du moment rivalisent de matériaux précieux, de lignes élancées et de collaborations artistiques pour imaginer mobilier et objets au style typiquement français. Rulhmann, Rateau, Mare et Süe, Groult, Frank ainsi que les couturiers Poiret et Lanvin, et les artistes Dufresne, La Fresnaye et l'aubois Marinot participent à cette aventure artistique qui façonnera les intérieurs de la bonne société française jusqu'à tomber dans l'oubli à cause de la Seconde Guerre mondiale. 

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Conférence avec projections et rencontres à l'auditorium du musée d'Art moderne.
Entrée libre et gratuite dans la limite des 100 places disponibles.

"Confrontés à une scène artistique américaine en plein essor, les artistes français vont se lancer à la reconquête d'un art moderne plus européen. Nouveaux réalistes affirmés, Niki de Saint-Phalle et Jean Tinguely explorent de nouvelles formes d'art au travers de tous les mediums contemporains et sont soutenus par de grandes figures muséales, comme Pontus Hulten. La conférence retracera la carrière surprenante de ces deux artistes, depuis les tirs et les assemblages variés jusqu'aux formes joyeuses et colorées que constituent leurs œuvres, et la relation qui unit les artistes et leur ami - mécène." 

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