CONFÉRENCES

Conférence avec projections et rencontres à l'auditorium du musée d'Art moderne.
Entrée libre et gratuite dans la limite des 100 places disponibles.

Repoussée en raison de la Première Guerre mondiale, l'entre-deux guerres voit fleurir un style nouveau dans les arts décoratifs français. 1925 et l'Exposition internationale des Arts décoratifs et Industriels modernes ouvre dans un Paris cosmopolite. Les décorateurs du moment rivalisent de matériaux précieux, de lignes élancées et de collaborations artistiques pour imaginer mobilier et objets au style typiquement français. Rulhmann, Rateau, Mare et Süe, Groult, Frank ainsi que les couturiers Poiret et Lanvin, et les artistes Dufresne, La Fresnaye et l'aubois Marinot participent à cette aventure artistique qui façonnera les intérieurs de la bonne société française jusqu'à tomber dans l'oubli à cause de la Seconde Guerre mondiale. 

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"Confrontés à une scène artistique américaine en plein essor, les artistes français vont se lancer à la reconquête d'un art moderne plus européen. Nouveaux réalistes affirmés, Niki de Saint-Phalle et Jean Tinguely explorent de nouvelles formes d'art au travers de tous les mediums contemporains et sont soutenus par de grandes figures muséales, comme Pontus Hulten. La conférence retracera la carrière surprenante de ces deux artistes, depuis les tirs et les assemblages variés jusqu'aux formes joyeuses et colorées que constituent leurs œuvres, et la relation qui unit les artistes et leur ami - mécène." 

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Né en Chine en 1920, Zao Wou-Ki a fait quasiment toute sa carrière en France.
Il s’est rattaché à l’École de Paris puis à l’abstraction lyrique. Né à Shangaï dans une très ancienne famille chinoise qui remonte au XIIe siècle, il grandit au milieu des livres et des peintures. Très doué et encouragé par ses parents, il suit des études à l’école des Beaux-Arts de Huangzou. Il s’intéresse à l’art européen et à la peinture à l’huile. En 1947, il quitte la Chine pour s’installer à Paris et suit les cours de la Grande Chaumière. Il découvre l’œuvre de Paul Klee qui l’inspire profondément. Il rencontre de nombreux artistes, Giacometti, Soulages, Michaux. Il est reconnu internationalement et expose dans de nombreuses galeries.
Ses œuvres poétiques balancent entre la grande culture de la peinture chinoise et l’abstraction lyrique européenne. Véritable pont entre les cultures chinoise et occidentale, Zao Wou-Ki explore l’espace et le silence.

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Alors que des millions de visiteurs du monde entier se pressent à Paris en 1925 pour découvrir les architectures, les mobiliers, les objets décoratifs marquant la naissance de l'Art Déco ... se verra petit à petit décliner. Cette certaine idée du luxe à la française trouve rapidement quelques collectionneurs français et américains. Le krach boursier dans l'Amérique de 1929 donne un premier coup à l'Art Déco. L'Europe basculant petit à petit dans la guerre... les collectionneurs, les créateurs et les décorateurs fuient. L'Art Déco tombe dans l'oubli. Il faut attendre les années 1960 et une exposition à l'Union Central des Arts Décoratifs (actuel MAD - rue de Rivoli), pour voir réapparaitre les meubles précieux de ces années folles. Quelques marchands et jeunes collectionneurs se prennent de passion pour ce style.
Richement documentée cette conférence vous propose de visiter les intérieurs de Jacques Doucet, des marchands Bob et Cheska Vallois, d'Yves Saint Laurent, de Karl Lagerfled... jusqu'à Elton John, tous follement amoureux de l'Art Déco ! 

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L’exposition « Matisse, la couleur sans limite » au Grand Palais du 24 mars au 2 août 2026, met en lumière une période fascinante de la vie de l’artiste : ses années de création entre 1941 et 1954. À près de 80 ans, Henri Matisse se réinvente à travers la technique de la gouache découpée, qu’il élève au rang de langage plastique autonome. Cette rétrospective d’envergure inédite en France révèle une pratique pluridisciplinaire foisonnante, où peinture, dessin, illustration, textile et vitrail dialoguent dans une harmonie colorée et expressive.
Avec plus de 230 œuvres issues de collections prestigieuses – Centre Pompidou, MoMA, MET, Fondation Barnes, Fondation Beyeler… – l’exposition offre une plongée dans l’univers créatif de Matisse. Le parcours dévoile des pièces majeures rarement vues en France : les Intérieurs de Vence, l’album Jazz, les Nus bleus, ou encore les éléments décoratifs de la Chapelle de Vence. La scénographie, conçue par Julie Boidin, restitue l’atmosphère de l’appartement-atelier du Régina, où les œuvres, mobiles et végétales, s’épanouissent librement sur les murs, dans une symbiose entre espace et création.

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Un support - des formes - de la peinture sont les éléments constituants la peau de l'œuvre.
Sur un support qui délimite un espace et cadre l'espace de la toile, l'art abstrait émerge de la matière picturale.
La peinture peut être transparente et lisse, crayeuse et opaque, en couches fines ou épaisses.
La profondeur spatiale se crée par des formes qui se superposent, se juxtaposent, se fondent ou jaillissent de la toile.
Lorsque la pensée créatrice de l’artiste se projette et qu’il élabore un langage plastique se tenant à une certaine distance de l'imitation visuelle, le peintre matérialise l'expression de sa nécessité intérieure.
Dans la seconde moitié du XXe siècle, Jean Dubuffet, Serge Poliakov, Nicolas de Staël, Mario Prassinos, Olivier Debré, Zao Wou Ki, nombreux furent les artistes qui ont exploré les conditions d'émergence de l'art abstrait.

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De profonds bouleversements sociétaux marquent la fin du XIXe siècle et la première moitié du XXe siècle : développement de techniques industrielles et de communication, révolutions scientifiques, psychanalyse, guerres mondiales.... ébranlant certitudes et valeurs des siècles précédents.
Les artistes, alors non seulement refléteront, transcriront chacun à leur manière, les ruptures et les révolutions de leur époque, mais les devanceront et les assumeront au travers de la remise en question des normes de la figuration, aussi bien la forme que la couleur.
Ces destructions-restructurations donneront naissance à de multiples mouvements, fulgurants, souvent éphémères : fauvisme, cubisme, expressionniste, suprématisme, abstraction, surréalisme, Nouvelle Objectivité...
L'art moderne, un art brillamment expérimental !

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Si, par « bonheur », on entend un état de bien-être durable et complet, tant en quantité qu’en qualité, il semble bien n’être qu’une illusion.
Par contre, la joie de vivre pourrait, sans illusion, supporter toute espèce de malheur, parce que la « vie » est toujours là.
Toutefois, quelle serait la joie, issue des profondeurs de la « vie », qui pourrait durer et devenir une disposition d’esprit
permanente ? 

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Soutine. Le nom est familier, l’œuvre de l’artiste moins. L’homme, juif russe né dans un shtetl de l’actuelle Biélorussie, est plus mystérieux et méconnu.
Murielle Levy et Valérie Firla ont mené une enquête serrée, rencontrant les derniers témoins de l’époque, insérant des images d’archives, s’emparant des moindres indices pour raconter l’histoire de cet artiste fascinant et profondément attachant.
Ce film de 52 minutes parcourt la France sur les traces de ce peintre majeur de la 1ère moitié du XXe siècle.
Soutine, homme solitaire et introverti, entièrement dédié à son œuvre côtoie les peintres de son temps : Modigliani, Chagall, Picasso.
Il appartient à ce qu’on a appelé l’École de Paris.
Grâce au grand collectionneur américain Barnes, Soutine rencontre le succès.
Rongé par un ulcère à l’estomac qui ne sera jamais guéri, Soutine produit une œuvre essentielle, charnière entre les classiques et les expressionnistes abstraits.
Cette enquête s’attache à découvrir l’œuvre et l’âme de ce peintre et tente de pénétrer la matière palpitante et sensuelle de ses paysages et de ses portraits en les confrontant aux modèles originaux.

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Nombreuses sont les artistes femmes dans le mouvement de l’Abstraction.
Sophie Taeuber, Sonia Delaunay, Maria Vieira da Silva, Geneviève Claisse, Aurélie Nemours, Geneviève Asse sont quelques-unes de ces créatrices.
Cercles, carrés, lignes se déploient sur la toile, les formes s’ouvrent et créent des profondeurs spatiales.
Sonia Delaunay créé des tissus proches de l’esthétique de Robert, Sophie Taeuber créé des tableaux et des vitraux dans les maisons privées des collectionneurs.
On connaît mal leurs œuvres, car souvent, on les démarque mal de celles de leur mari.
Dans les années cinquante, Vieira da Silva peint des paysages abstraits, des architectures imaginaires en des perspectives fuyantes qui amène le regard vers les profondeurs.
Geneviève Claisse explore les possibilités infinies du cercle et du triangle qu’elle combine avec des couleurs franches. Aurélie Nemours explore le carré dans des jeux optiques et colorés. Geneviève Asse, elle, se déploie dans des bleus infinis.

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En 2023, le LaM – Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut situé à Villeneuve d’Ascq a fêté ses 40 ans.
Le point de départ est bien sûr une collection prestigieuse, celle de Roger Dutilleul (1873-1956) commencée au tout début du XXème siècle et qui réunit des noms prestigieux comme Braque, Picasso, Leger aidé par le marchand Kahnweiler.
Elle a ensuite été développée par son neveu Jean Masurel (1908-1991), permettant de réunir des œuvres de tout premier ordre.
En 1979, le couple Masurel décide de faire une donation de 220 œuvres à la communauté urbaine de Lille à condition de créer un musée pour abriter ses chefs-d’œuvre.
Cette donation représente la plupart des courants artistiques majeurs développés en France durant la première moitié du XXème siècle.
En 2010, le musée s’agrandit pour accueillir une nouvelle collection celle de l’Aracine et devient alors l’un des fonds d’art brut les plus importants d’Europe.

Partons à la rencontre de cette collection tout à fait unique !

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A priori, on pourrait penser que l’art est profondément ancré dans le domaine du visible. Et pourtant, un des enjeux de la peinture, dans le domaine religieux, fut de représenter l’invisible,

Ainsi, selon J.P. Vernant "Au IIIème siècle de notre ère, Plotin marque le début du tournant par lequel l'image, au lieu d'être définie comme imitation de l'apparence, se donnera pour tâche de figurer l'invisible". Cette « image de forme transcendante », va trouver toute son efficacité dans le champ religieux.

C’est la querelle iconoclaste au VIIIe siècle qui met en face deux manières de voir l’image. Pour les iconophobes, le sacré ne peut être représenté : toute tentative d'approche du transcendantal à travers une image fondée dans une mimétique est idolâtre. Les iconophiles reprochent à leurs ennemis une mauvaise perception de l'image religieuse car, selon eux, l’honneur ne va pas à l’image mais à la divinité dont elle est l’image. Celle-ci doit être regardée non pas pour elle-même mais pour l'émanation d’un au-delà, autrement dit de l’invisible.

La "querelle" liée à la naissance de l'abstraction n'a pas la même ampleur et se situe essentiellement dans un champ artistique. Il n’en reste pas moins qu’on peut voir une analogie dans la question de la représentation de l’invisible telle qu'elle se pose à l'époque iconoclaste et à ce moment déterminant de l'histoire de l'art qu'est le début du XXème siècle. De fait, l’enjeu principal des artistes de la première génération de peintres non figuratifs demeure comment, en l’absence d’un sujet, viser l’universel, comment exprimer picturalement la spiritualité. Le titre du livre de Kandinsky « Le spirituel dans l’art », résume cette quête.

La disparition de l'objet qui marque la rupture fondamentale à partir de laquelle se fonde l'abstraction oblige les artistes à présenter son art comme le témoin d'une réalité nouvelle. Réalité qu'il s'agit aussi de faire partager au public, ce qui implique une conception presque missionnaire du rôle de l'artiste. Dans ce sens, le domaine religieux, où il faut croire pour voir, et encore plus le domaine mystique, sont des outils efficaces pour transformer les formes, voire les faire disparaître. C'est un langage qui parle d'une réalité transcendante, qui propose une vision utopique du monde, commune à la première génération de l'abstraction. La plupart des artistes d'avant-garde se présentent souvent, à travers leurs écrits, comme des prophètes qui ouvrent une nouvelle voie mettant en cause l'ancienne tradition.

Paradoxalement, en même moment, les avancées majeures scientifiques - l’électricité, les rayons X, la quatrième dimension - enflamment l’imaginaire artistique qui cherchent à figurer ces réalités nouvelles, invisibles à l’œil nu. 
Entre cette forme d’invisible et celui religieux, l’image se cherche. 

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